Ya sé que llevo un par de semanas machacando con cosas sobre cine. Pero, hoy os quiero dejar un ejemplo de una escena brillante de una película y te deja un regusto en la boca y un recuerdo inborrable.

Se trata de la escena final del My Best Friend’s Wedding (La Boda de mi Mejor Amigo), una curiosa conversación entre Julia Roberts  y Rupert Everett.

Bueno, para que no os quejéis lo pongo también en castellano.

En fin, a continuación os voy a dar un pequeño resumen de cada una por orden cronológico de visionado, porque no me apetece hacer cinco posts, la verdad sea dicha.

Cómo acabar con tu jefe

Si nada más leer el título de esta película pensáis que fue la peor de la selección, estáis MUY equivocados. Fue un buen inicio, teniendo en cuenta que era el pase de las 16.30 al que íbamos.

¿Qué se puede esperar de una comedia que desde su título te deja clara cuál va a ser la trama y desde el principio ves que no aspira a ser una revolución en el género, sino sólo a qué pases un buen rato? Pues sinceramente, eso, pasar un buen rato. Y con esta película se pasa.

La historia va de tres amigos con tres trabajos muy diferentes: un oficinista (Jason Bateman) que no para de hacer méritos por un ascenso a vicepresidente de cuentas aguantando todas las humillaciones de su jefe (Kevin Spacey), un ayudante de dentista (Charlie Day) que tiene que aguantar el constante abuso sexual de su jefa (Jennifer Aniston) cuándo lo que realmente es casarse con su prometida, y por último un contable (Jason Sudeikis) al que se le acaba de morir su adorado jefe (Donald Sutherland) un hombre entrañable y de esos ejemplos raros de buen jefe que a veces aparecer por la vida, heredando el negocio el farlopero de su hijo (Colin Farrell). La situación se acaba volviendo insoportable por lo que deciden que lo más sencillo sería acabar con sus jefes, tras pedirle consejo a un consultor criminal (Jamie Foxx) deciden que cada uno de ellos acabará con el jefe de otro.

Lo bueno que ofrece muchos gags, el trío protagonista está cómodo y tiene dos o tres gags muy divertidos como el del navegador del coche, o cuándo al entrar en la casa del jefe farlopero se les cae la coca y acaban colocadísimos, o la discusión de que si les pillan acabarán en la cárcel deriva en cual de los dos amigos es más violable. Además a Kevin Spacey y a Colin Farrell se les nota cómodos en su papeles, aunque le han dado pocos minutos a Farrell para mi gusto. Además, la pequeña aparición de Ioan Gruffudd (Mister Fantástico para los que no reconozcáis el nombre) me hizo reírme a carcajadas.

Lo malo que a partir de que visitan la casa del jefe cabrón la trama queda clara del todo. Otro punto es Jennifer Aniston que hasta el final de la película no me convenció como jefa ninfómana (no sé si es que no le gustaba el papel o qué). Hay una escena que me parece H-O-R-R-I-B-L-E que es la mezcla de la persecución en coche con la conversación telefónica erótica, para mí ha sido un fallo tremendo el que juntaran las dos tramas.

Super 8

Esta sí que fue la gran decepción, nada que decir en contra de la fotografía (de la mano de Larry Fong) que supo captar el ambiente de las películas de los 80. Pero a los diez minutos estaba aburrida (y no hablemos de a la media hora).

La fotografía y los efectos especiales estaban muy cuidados, dejando planos preciosos y espectaculares. Y precisamente lo cuidado que estaba llegaba hasta límites insospechados haciendo que dejase de resultar creíble la historia. Me gustaría decir que es el único problema de esta película, que el fallo está sólo en cómo se cuenta la historia pero realmente ¿es que tiene una historia definida? ¿Sí? ¿Y cuál es? ¿El alienigena? ¿La historia de los niños entre sí? ¿La del protagonista con su padre? ¿La de la pareja de niños que se enamoran aunque sus padres están en contra? ¿Los niños con el alienigena? Realmente no tiene trama, es una remezcla de todas las fórmulas que funcionaron en los 80.

Además, tiene ciertos puntos en los que no terminan de acertar con el espíritu de las películas de los ochenta, esa idea de grupo de no dejar a nadie atrás aunque sea el villano y, mucho menos, a alguien que se arriesga a ayudarte. Además que nos encontramos una serie de personajes del grupo de amigos que sólo están para que al final el protagonista se luzca como héroe. Además de ese momento que nos hacen comulgar con ruedas de molino cuando el alienigena captura a Joe (Joel Courtney) y no se lo zampa con patatas cuando ya sabemos que se alimenta de carne humana.

No negaré que tiene sus momentos tiernos como cuando Alice (Elle Fanning) ensaya con Joe  como debe interpretar al zombie; pero poco más.

El Origen del Planeta de los Simios

Una agradable sorpresa. Juro que cuando entré al cine pensé que me valdría la pena porque sólo costaba 2 euros la entrada y me encontré con una pequeña joyita que supera con creces a la original.

Directamente han decidido pasar del guión original aunque han conservado el nombre original del protagonista “César” (interpretado por el íncreible Andy Serkis, lo cual ha hecho que se levante la polémica de cara a los Oscars para ver si podría ser nominado por el papel). En esta ocasión, se trata de un simio nacido tras alterar a una hembra genética en un laboratorio farmaceútico, ha nacido con algunas anomalías que se han traducido en una tremenda inteligencia. El investigador al cargo de un fármaco contra el alzheimer, Will Rodman (James Franco) tiene que decidir entre matarle o quedarse con él y criarle como un hijo. Como podéis adivinar elige la segunda.

Will vive con su padre (John Lithgow), un antiguo profesor de música con alzheimer en una fase muy avanzada y por el que realmente está intentado desarrollar una cura. Tras ver los buenos resultados en César se decide a probarlo con su padre, primero consigue una gran mejoría, pero con el tiempo acaba sufriendo una gran recaída. Al mismo tiempo César es detenido por Control Animal al atacar a un vecino que pensaba que atacaba al músico. Will decide que no quiere perder a los dos, así que se pone manos a la obra para desarrollar un fármaco más potente y conseguir liberar a César.

No os cuento más de la trama, que no quiero que se me acuse de spoileos gordos, eso sí mucho ojitos a los detallitos como que la madre de César se llame Ojos Claros o algunas frasecitas que sueltan los personajes, o simplemente alguna composición de la escena. Han inundado la película con referencias al Planeta de los Simios original (la de Charlton Heston) lo cual demuestra el mimo y el cariño que le han puesto.

Detallitos que me han gustado, mi principal sorpresa de encontrarme a Tom Felton haciendo de un villano más cruel que su Draco Malfoy y lo a gusto que se le nota. Este chaval llegará lejos, sobre todo si sigue sabiendo hacer tan bien de malvado. Otro detallito que me encantó son los títulos finales de crédito, una infografía bastante trabajada a la que ya le pillaréis la gracia cuando la veáis.

Noche de Miedo

Otra sorpresa que me reservaba la taquilla. El remake de Fright Night con el señor Colin Farrell (otra vez) a la cabeza del reparto.

Una comedia de terror (que no terror de comedia) que me dejó que no tenía yo muy claro si reirme porque sabía que en dos minutos me iban a asustar otra vez… Claro que cómo no asustarte cuando el villano es Colin Farrell disfrutando como un niño y como no querer reírte cuando el terrible monstruo se llama Jerry, el vampiro.

Un bonito regalo para los más frikis de las casas es que Peter Vincent (el cazavampiros con comillas) esté interpretado por David Tennant (muchísimo más conocido por ser la cara del décimo Doctor Who).

Sinceramente, lo mejor que tiene esta película es que no tiene grandes estrellas del celuloide  sino buenos actores y muy bien dirigidos. David Tennant está de lo más creíble en su papel del excéntrico Peter Vincent y merece un aplauso cuando en la batalla final se quita a los vampiros de encima con un castizo “¡Quita coño!“. Aunque gran parte del buen rato que se pasa con esta película es gracias al dúo protagonista Anton Yelchin y Colin Farrell.

Un momento muy claro de esto último es, tras la desaparición del amigo friki de Charley (Anton Yelchin) y recordando que éste le dijo que los vampiros no podían entrar en una casa si no eran invitados (ya os explicaré esto en otra ocasión); Charley tiene mucho cuidado de no invitar a Jerry a pasar a su casa cuando éste le pide unas cervezas. Al mismo tiempo, podemos ver como Jerry, levemente nervioso no para de moverse en el marco de la puerta sin traspasarse el umbral, nervioso y excitado, esperando un desliz que le permita atravesarlo. Eso sí, si no hay casa, la norma ya no es válida.

Como he comentado antes, el que está a gusto y saca todo su potencial como actor en esta película es Colin Farrell; podríamos quitarle sus líneas de guión de toda la película y con sus gestos (por una vez justos y comedidos) nos seguiría transmitiendo ese aire de depredador que persigue a su presa y se divierte dejándola creer que tiene ventaja (por cierto, igual que me alegraba que David Tennant siguiera con su doblador habitual, me alegra también el cambio de doblador de Farrell en esta ocasión).

Detallitos que me han gustado, a pesar de ser una película en 3D y abusar levemente del lanzamiento de objetos a cámara, no quedan descuadrados con la narración de la escena y ayudan a crear la sensación de suspense. Las puyas anti-Crepúsculo que sueltan como que a Ed (el amigo friki que os he comentado antes) le ofendan que crean que ha leído Crepúsculo o las explicaciones claras que dan sobre leyes de vampiros como el uso de las cruces como defensa. O como se demuestra que en ese barrio residencial todos se conocen (como cuando Doris, la primera víctima que Charley presencia le indica que guarde silencio mientras es mordida para que no le descubran).

Por cierto, el Jerry de la Night Fright original (Chris Sarandon) tiene un pequeño cameo y encontronazo con el nuevo Jerry en la película  ¿le habéis visto?

Detalle que no me ha gustado, principalmente la novia de Charley y el mayor bombón del instituto, Amy (Imogen Poots) no me ha convencido, parecía que tenía que estar perfecta en cada escena y en cada encuadre… Así que al final me daba la sensación de ser un personaje desubicado… De hecho, ha interpretado la bronca echada a un novio menos creíble que he visto.

He de admitir que lo primero que vi me dejó muy impresionada (así bien destacado), y es que ver el logotipo y la melodía de la Universal en versión videojuego antiguo de bits, un puntazo bestial que me dejó con la boca literalmente abierta y hasta creo que solté un “Oh Dios”. Lo malo es que no volví a tener esa sensación hasta que vi en la pantalla al señor Chris Evans; aunque admito que la pelea contra el primer ex-novio malvado tuvo sus destellos de genialidad.

Pero, antes de seguir divagando sobre la película, será mejor que vaya dando un pequeño resumen de la situación o, lo que es lo mismo, la trama:

Scott Pilgrim es un muchacho de 22 años parado y que toca en una banda de rock, que va a participar en una batalla de bandas local y busca sacar su primer disco. Para más datos, Scott dice que está terminando de superar el fin de su última relación (con Envy, la más famosa estrella del rock del momento) y para ello ha empezado una relación con Knives una chica de ascendencia china que todavía va al instituto.

Es entonces cuando por casualidad conoce a Ramona Flowers y surge la chispa entre los dos, abandonando a su novia/fangirl Knives por Ramona. Aunque lo que Scott no sabe es que Ramona nunca viaja sola, sino que la acompaña su pasado, o lo que es lo mismo, “La Liga de los Siete Malvados Exs” a los que Scott se tendrá que enfrentar y superar si realmente quiere tener una relación con Ramona.

Blah, blah… Blah, blah… El caso es que después de los mágicos segundos que os he comentado antes de la bola del mundo con sus cuadritos de bits, le fuí perdiendo el interés a la película a una velocidad asombrosa; principalmente porque la pareja protagonista no se mostraba cómoda. Mary Elisabeth Winstead (Ramona) tiene algunos momentos de verdadera lucidez interpretativa en los que sí que te transmite su personaje, como durante la pelea contra la malvada ex-novia nº4 o cuando se encuentra sentada bajo el trono de Gedeon (malvado ex-novio nº7), aunque en la mayor parte del resto de las escenas me transmite más el decorado. Y no hablemos de Michael Cera (Scott Pilgrim) que parece que se ha pasado toda la película descolocado; aunque lo mismo es que el personaje es así y el chico es una actor buenísimo.

Eso sí, los secundarios son un L-U-J-A-Z-O: Chris Evans (el Capitán América), Brandon Routh (Superman), Jason Schwartzman (el ex-novio nº7 que está inmenso cada vez que sale, me recordaba a Stanley Tucci) ó Thomas Jane (Punisher). Lo dicho, secundarios de lujo que da la sensación de que aceptaron participar en la película simplemente por el cachondeo que suponía (por favor, de héroes a villanos, menudo caramelo para un actor) y que son realmente los que soportan el peso de la trama (error señor director, eso suele ser trabajo de los actores principales) y entre ellos hay que destacar a dos: Kieran Culkin (Wallace) y Ellen Wong (Knives); el primero interpreta a Wallace el amigo gay y compañero de piso (más bien fundación benéfico) que acoge a Scott desde su ruptura con Envy y que a la vez hace de voz de la conciencia y fuente de noticias/robanovios de la hermana de Scott.la segunda es la estudiante de instituto fangirl que Scott deja por Ramona. Siempre que aparecen en la pantalla, la película mejora (especialmente el momento en que Knives va a buscar a Scott a casa y Wallace le cubre mientras sale por la ventana).

Y, hablando de secundarios, tanto hablar de Envy, la ex-novia rockera de Scott, la-que-no-puede-ser-nombrada y tanta parafernalia y luego cuand se juntan las dos parejas no hay ninguna rivalidad, 0, bueno por parte del ex-novio nº3 (Brandon Routh) y Envy sí pero, por el lado Ramona-Scott… Casi que se oyen a los grillos de fondo. El caso es que me parece curioso el que sea un personaje totalmente suprimible de la película cuando al principio de la misma da a entender todo lo que significó para el protagonista.

Pero, ojo, que no estoy diciendo que la película apeste. tiene muchos detallitos (sobre todo de post-producción) que son realmente geniales. Me refiero principalmente a toda la carga infográfica que le da ese aspecto videojueguil: las onomatopeyas durante las peleas, los corazoncitos cuando se besan, las pegatinas al margen explicando lo más relevante de cada nuevo personaje, los efecto dramáticos emulando a los cómics, los efectos de texto de los videojuegos (el 1 UP o las monedas que va ganando con cada boss/ex-novio malvado que derrota), el efecto pixelado en las armas que utilizan… Vamos, que no está mal (buena Banda Sonora también).

Originalmente se llamó Gake no ue no Ponyo, en castellano he oído tanto “Ponyo, el secreto de la sirena” como “Ponyo en el acantilado“; personalmente, me gusta más la segunda. Se estrenó en España el 24 de Septiembre de 2009, y con bastante expectación debo añadir.

La historia cuenta las aventuras de Ponyo una niña/pez/medusa que le encanta salir de aventuras y descubrir que hay más allá, aunque eso lo haga siempre sin la aprobación de su padre. En una de estas excursiones, Ponyo llega a la costa y se queda atascada dentro de un frasco de cristal (como muchos peces por culpa de la contaminación) hasta que llega Shosuke, un niño de unos cinco años, que rompe el frasco y pone a Ponyo en un cubo con agua, reanimándola. Mientras, el padre de Ponyo busca a su hija e intenta que regrese con él al fondo del mar, donde el agua es más pura.

Por otro lado, Shosuke tiene una familia un poco peculiar. Para empezar, viven en lo alto del acantilado del pueblo. Su padre, Koichi, es capitán de un barco mercante, por lo que para desesperación de su mujer, Lisa pasa muy poco tiempo en casa; y no es raro que cambie un periodo de descanso por un trabajo que aparezca en el último momento. Como sucede al comienzo de la película, que muestra a una Lisa frustrada y deprimida porque Koichi al final no va a ir a casa.

La madre de Shosuke, Lisa, es auxiliar en la residencia de ancianos del pueblo. Se muestra como una mujer alegre, despreocupada y con un gran sentido del deber; aunque también algo alocada y temeraria (sobre todo cuando va al volante de su mini-coche rosa).

Al final, tras encontrar a su hija, el padre de Ponyo consigue llevarla a casa gracias a unas olas-esbirro que hacen que Shosuke se el escape el cubo donde lleva Ponyo y la devuelven con su padre. Shosuke se queda preocupado por su amiga (que acaba de aprender a hablar); mientras que el padre de Ponyo nos descubre que Ponyo es mágica y que tiene un montón de hermanitas. Además, su nombre no es Ponyo sino Brunilda; aunque Ponyo ha decidido que ese va a ser su nuevo nombre (yo también me cambiaría de nombre si a mi padre le hubiera dado por llamarme Brunilda).

A partir de aquí, Ponyo intentará desesperadamente utilizar su magia para convertirse en una niña y volver con Shosuke. Pero toda la magia que desata provoca catástrofes en el mar y su padre (preocupado porque Ponyo se convierta en espuma de mar)tiene que al final que contactar con la madre de Ponyo que no es nada más y nada menos que una de las diosas del mar. Ambos decidirán poner a prueba, la determinación de la pequeña.

Otra de los grandes detalles de esta película es su banda sonora: especialmente el momento en que Ponyo “cabalga” sobre las olas-peces yendo en busca de Shosuke y los créditos tanto iniciales (que son muy tiernos, parecen dibujados por un niño pequeño) y finales, con un karaoke muy pegadizo, que dicen que compuso el propio Hayao Miyazaki (director y guionista de la historia) y que os dejo a continuación.

Ponyo, Ponyo, Ponyo es una niña pez,

del mar ella ha venido, ¡verás qué guapa es!

Ponyo, Ponyo, como una bolita es

su tripa redondita, blandita es.

Pim pam pum, piernas me haré

con un truquito que yo me sé.

Qué bien, qué bien, hoy tengo pies,

qué suerte tengo, manos también.

Cuando yo estoy a su lado, me siento ilusionado…

¡Uy, qué divertido! ¡Uy, qué divertido!

Mi amiga Ponyo es así……

¡Y cantamos!

Ponyo, Ponyo, Ponyo es una niña pez,

del mar ella ha venido, ¡verás qué guapa es!

Ponyo, Ponyo, como una bolita es

su tripa redondita, blandita es.

Eso sí, para matarles fue la versión americana de la canción que cantaron los hermanos pequeños de Hannah Montana y de los Jonas Brothers; y que no pienso insertar aquí porque es mala con ganas. Pero si queréis comprobarlo, tenéis aquí un video explicativo.

Por si aún no habías visto a Evans como Steve Rogers, aquí os dejo el trailer.

La historia trata sobre Edmond un niño pequeño al que su madre le cuenta el cuento del gallo Chantecler. Un cuento en el que te explica que en una granja cada uno tiene una tarea, y la de Chantecler es cantar para despertar al sol. Sin embargo una noche, un extraño (envidado por el malvado Gran Duque de los búhos) entra en la granja y reta a Chantecler. Chantecler gana la pelea, pero olvida cantar y el Sol se despierta sin él. Por ello sus amigos se burlan de él y abandona la granja.

En este punto la historia se interrumpe, porque Edmond también vive en una granja que está siendo inundada por una gran tormenta repentina. Cuando su madre le deja a salvo en la cama, Edmond convencido de que las lluvias son por culpa de que Chantecler no ha vuelto a cantar.

Curiosamente el Duque no sólo no soporta la luz, sino que además odia el rock ‘n’ roll un motivo extra para querer deshacerse de Chantecleer y obviamente, si Edmond está llamando al gallo su plan no saldrá bien. Así que, ¿qué creen que hace el búho? Lo convierte en un gatito (de esta manera, la parte de la historia de imagen real pasa a ser también animación).

En el momento en el que el Duque va a devorar a Edmond aparecen los amigos de la granja de Chantecleer y lo espantan. Entonces se dividen en dos grupos, uno se queda en la granja, defendidos por una linterna para alejar a los secuaces del Duque y el otro marcha a buscar a Chantecleer a la ciudad.

La trama se complicará ya que Chantecleer ha cambiado de nombre y ahora es una estrella de la noche que responde al nombre de El Rey (y es que sí, este gallo tiene un complejo de Elvis que no puede con él); además, ante los primeros síntomas de nostalgia su manager le presenta a Goldie una preciosa faisán que quiere ser una estrella y ambos acaban enamorados. Para mejorar la situación, el Duque envía a su sobrino Hunch (tío duquito, tío duquito) detrás de los protagonistas, aunque este personaje es torpe con ganas y el principal recurso cómico de la película, y para muestra un botón.

(El tubo adecuado es un tubo de acueducto que lleva directamente  a la ciudad, donde, por si no lo recordáis, está Chantecleer)

Por culpa de este miedo irracional, Gulliver (Jack Black) acaba con una solicitud de empleo para esta sección y haciendo el típico truco de buscar en Internet  y copia-pega. Gracias a este trabajito de copy-paste, consigue un viaje genial a las Bermúdas intentando revelar la leyenda del mítico triángulo de las Bermúdas.

Tras ser engullido por un enorme remolino en el mar, despierta atado por un montón de liliputienses que le capturan y hacen preso por culpa de su gran tamaño. Allí conoce a Horatio que está encerrado por intentar hacerle la corte a la princesa. Tras salvar al reino y al rey de una forma bastante… excepcional, Gulliver aprovecha un error de sus recien salvados anfitriones y crea una fantástica historia de su vida en la que mezcla Star Wars, Titanic y Avatar entre otras, y convierte al mítico Yoda en vicepresidente de su ídilico gobierno.

Pero un ataque del reino vecino pondrá en jaque toda su historia antes sus pequeños amigos e incluso a Darcy (la chica de la que está enamorado) que tras su desaparición se ve obligada a terminar ella su reportaje.

Ignorando lo increíble de la trama en sí (un repartidor de correo al que permiten todo el rato que tengan el Guitar Hero en el trabajo) y que el personaje de Horatio destila How I Met Your Mother por todos los poros y el 90% de sus frases. Resulta interesante de ver, aunque es muy mejorable.

Hay muchas veces que he entrado en discusiones sobre que Wayne no sabía actuar más que como cowboy, aunque es cierto que se convirtió por sus papeles de vaquero en un símbolo del perfecto norteamericano, y he tenido que alegar con películas como La Taberna del Irlandés, Boinas Verdes, ¡Hatari! o mi favorita de todos los tiempos y de la que os quiero hablar hoy Un Hombre Tranquilo.

La trma va de que Sean Thornton (John Wayne) regresa a su pueblo natal en Irlanda desde Norteamérica. La idea que lleva en mente es la de encontrar un lugar tranquilo donde vivir, por ello decide comprar la casa donde nació. Lo que él no sabe es que con esa decisión empezarán ya los problemas con Will “Red” Danaher (Victor McLaglen), una especie de cacique camorrista, que considera la compra de terreno por parte de Thornton como una grave ofensa.

Para facilitar aún más las cosas, Thornton se enamora a primera vista (nada más llegar al pueblo) de Mary Kate (Maureen O’Hara), una hermosa pero pobre muchacha muy fiel a las tradiciones irlandesas. Y, ¿adivináis qué? Además resulta ser la hermana de “Red” Danaher. Para mejorar el asunto, Thornton esconde un pasado en América que no quiere que nadie descubra.

Estas dos situaciones (el intento de entablar una relación entre Mary Kate y Thornton, con Danaher poniendo todos los inconvenientes posibles; y los intentos de Thornton para que su pasado no salga a la luz) son la trama principal de esta gran película.

No podemos olvidar a Michaeleen Flynn y la parece de sacerdotes que pululan alrededor de la pareja (recordemos que Irlanda tiene dos religiones oficiales: la católica y la protestante), y que intentan conseguir por todos los métodos que la pareja pueda hacer las cosas como es debido. Hay dos inconvenientes principales para que su relación prospere: el primero, sobradamente adivinable es el hermano, el segundo, algo más complicado y sin duda, mucho más cómico, es que Thornton desconoce las reglas del flirteo en Irlanda (y por ello, los espectadores más jóvenes pueden sentirse más identificados con Thornton).

Una vez conseguido el casamiento (mediante un gran engaño propiciado entre el reverendo, el sacerdote y Michaeleen), Red Danaher monta en colera al descubrir que le han engañado. Negándose a darle la dote a Mary Kate, por lo que ésta también monta en cólera y decide no cumplir con sus deberes maritales… Como bien le comenta a Thornton:

Seré tu exclava, pero no podrás tener ni mi cuerpo ni mi alma.

Thornton se encuentra confuso, ya que el ama a Mary Kate, y no le importa ni el dinero ni la dote. La situación se irá tensando, hasta que una mañana, al levantarse, descubre que Mary Kate se ha marchado y ha cogido un tren hacia Dublín porque, según Michaeleen

Le amo tanto, que no puedo estar con un hombre del que me averguenzo.

Al final, Thornton sin encontrar otra salida, debe elegir entre seguir huyendo o enfrentarse a su pasado.

Señoras y señores, preparense para el estreno este viernes de Iron Man 2, ya saben “it’s good to be back”.

Robert Downey Jr vuelve a ponerse en la piel del superheroe más eticamente controvertido de  Marvel, (parece que Hugh Jackman no es el único que le ha cogido el gustillo al traje de superheroe), en esta ocasión Iron Man deberá enfrentarse con su gobierno para evitar que se desvelen los secretos tecnológicos de su armadura.

Gwynett Paltrow repite como Pepper Potts la amable secretaria de Tony Stark, pero se unen dos nuevas femeninas al plantel. Scarlett Johansson en el papel de la Viuda Negra y Olivia Munn, cuyo personaje es un misterio pero se comenta que podría ser la entrañable y muy querida Jan van Dyne (recordemos que en los comics siempre tuvo una amistad muy estrecha con Iron Man).

Si quieres saber más, pasate por aquí el sábado y tendrás la review de la película.

Tengo un especial gusto por las películas bélicas ya que eran las que mi abuelo y yo nos sentabamos a ver en el sofá los fines de semana. Todavía me acuerdo de oírle diciendo “Nena, que empieza la peli” y también su queja, ¿por qué los actores no se doblarán a ellos mismos? Me gustaría saber como suenan y es que mi abuelo (que hoy día tendría 92 años) era un adelantado a su tiempo…

El caso, es que hacía unos meses había visto también El Último Tren a Auschwitz y me encontraba con ganas de más, de forma que cuando Kike me sugirió de ir con él, con David y con Victor a verla en V.O.S. (versión original subtitulada), tuve que decir que sí con todo el agrado del mundo.

Tengo que admitir que la película me puso el vello de punta desde los primeros minutos con tipografías cambiantes para la cabecera con los títulos de crédito, en la que me sorprendí de leer un nombre en concreto: Gedeon Burkhard (que además de parecerme un gran actor, está como un queso) y las notas altivas de “Fur Elise” introducidas por el brillante Ennio Morricone en su tema The Veredict con el que introduce el film, la historia, oliendo levemente a western mientras que el comandante Hans Landa llegando en una camioneta a una pequeña granja de la campiña francesa, siguiendo su instinto para matar a todos los judíos que aún quedan en Francia.

El interrogatorio de Landa a monsieur Lapedit, primero en un correcto francés y después en inglés ante el vaso vacio de leche, te mantiene con el vello de punta en el asiento; aún sin entender del todo por qué, intuyendo ya su final en el momento en el que Landa saca su pipa para poder fumar. El Cazador de Judios, que se muestra orgullosísimo de su apodo, da una gran lección de cómo debe funcionar la mente de un buen depredador en esta primera escena. De la que salimos con la pequeña Shoshanna que huye corriendo ensangrentada por entre la campiña francesa, huyendo por su ascendencia judía.

Poco después, se nos presenta el nacimiento de la tropa de los Bastardos, basados en una tropa real pero altamente distorsionada por la mano del director. Se presenta un reducido grupo en un Patio de Armas en el que se les reconoce como soldados norteamericanos judios cuya única ocupación será MATAR NAZIS. Dirigidos por el teniente Aldo Raine que en su primer discurso demuestra que su árbol genealógico sería la pesadilla de Hitler. Un judio orgulloso de sus raices indias, tanto que como deuda por poder enrolarse en la misión, exige un tributo a sus raíces: CIEN cabelleras nazis por parte de cada uno de sus hombres.

Conforme seguimos avanzando, descubrimos que Shoshanna sigue viva y viviendo en la capital francesa. Ha montado su propio negocio y vive bajo las exigencias del régimen nazi pero sin olvidar la matanza de su familia. También, vemos el avance de los Bastardos en territorio enemigo, han aumentado sus fuerzas reclutando al sargento Hugo Stiglitz un ex-soldado alemán que se dedicó a matar con sus propias manos a los principales dirigentes de las temidas S.S. Cuando los Bastardos se enteran de que ha sido capturado y su próxima ejecución deciden que no es justo desperdiciar un talento como ese. Stiglitz es junto con el cabo Wilhelm Wicki los traductores cuando capturan nazis, el cabo Wicki es un judio austríaco que tuvo la suerte de poder huir antes de la ocupación nazi. Por último, dentro de esta tropa, debemos destacar al sargento Donny Donnowitz conocido con pavor entre las tropas nazis como el Oso Judio.

Destacar, la escena de presentación del sargento Donny haciendo resonar su bate de beisból en el interior de un oscuro tunel antes de salir al descampado; mientras que Aldo Raine comenta con el oficial nazi que se alegra ya que para ellos ver en acción a Donny “es como ver la televisión”. También, la conversación con el nazi antes de su ejecución:

- ¿Te dieron esta medalla por matar judíos?

- No. Me la dieron por mi valor.

Al final, tanto nazis como Bastardos se encuentran en la capital parisina, bajo el marco del cine que regenta Shoshanna. En el que cada uno planea llevar a cabo su propia venganza. ¿Cómo podrá acabar esta situación?

Por último, me gustaría destacar cierto guiño no sé si consciente o inconsciente de los chicos del teniente Raine. Cuentan que durante la II Guerra Mundial, tanto los américanos comos los británicos tenían a los nazis como una representación del Infierno venido a la tierra y compadrados con el diablo en sí mismo. Por si alguien no se lo ha leído, en el Libro del Apocalipsis se dice que cuando llegue el fin de los días los seguidores del Maligno serán marcados en un lugar visible con el símbolo del Averno. Aldo Raine siempre que despide a sus supervivientes les dice claramente que no quiere que no se sepa que han sido nazis y hace la correspondiente marca en sus frentes. Simplemente magnifico.

El cine.

Como comenté en un principio, esta película la vimos en versión original subtitulada y muchos me habéis preguntado por la sala en la que la vimos.

Se trata del cine Verdi que se encuentra en la calle Bravo Murillo muy cerquita del metro Quevedo. Es un cine con salas reducidas (la más grande no llega a las trescientas localidades) que están habilitadas tanto para la proyección en alta calidad como para películas de cine mudo. Personalmente, lo encontré muy acogedor (nunca me han gustado los macrocines.